不忘初心·赤子情怀：王凤垒书画集_王凤垒著_9787503974458

本书内容可按类别分为山水作品，花鸟作品，风景、人物及其他作品，书法作品四类，是作者日常根据所见、所闻、所思而画，另有后记各一篇，包含有作者对绘画的感悟、总结，提出书画的创作必须参造化，进而得造化；师古法，最终至无法；宣心源，幻天宝物华。

书画是人生的一场修行（代序）
（节选）

王凤垒

感极而志，志高而诗，诗至而画。诗情并茂，诗中有画，画中有诗；诗情便是画意，文心即为画海。书画乃人生一场大修行。对自然、社会、人生领悟到一定程度，对道的体味、把握到一定深度，人文理性达到一定境界，便会自然而然回应自然、社会与人生。书画是寄托理想、抒发胸臆、释放情怀的一种方法与选择；中国书画艺术是承载民族文蕴、文明发展及其价值取向的特定标识与图式。

一、书画概述

五千多年文化一脉相承，书画同源同体，河图洛书。文字是用线条记载的物象，是从具象而抽象出来的线条，必须如画般书写和欣赏。画，是用线条和墨彩记载具象与抽象的图形。“无以传其意，故有书；无以见其形，故有画。”世上一切有形有影、有声有色的万象，都是书画状物象形的源泉。书画既叙写描摹客观世界，又返照主观心灵，万物已是纷纭，人心更为诡杂，由此可以想象决定和影响书画品质的元素是何其繁多！因此，作为一名书画人，不仅要有明道会义的文化底蕴，更要有弘道守正、止于至善的奉献精神，且要遵循艺术审美规律。只有如此，才能抢占艺术鳌头，创制出气度恢宏、润泽浑厚、钟鸣鼎盛的历史画卷。
书法与国画，是用线条与色彩宣泄情怀、寄托思想、记录生活的标识符号。所谓画画，就是用一定的工具和色彩，按照一定的规律，把形色不同的点线面组合成令人赏心悦目的图案。对于中国画而言，一定的工具，主要是毛笔、宣纸与墨（彩）；一定的规律，主要是主观与客观辩证统一的关系，具象与抽象的辩证关系，以及构图中笔墨、虚实、阴阳、浓淡干湿焦枯、呼应、疏密、明暗、冷暖、远近（层次）、烘托、渲染等画道诸元素之间的对应关系。
大道平衡、天序循环、物象轮转，这是宇宙万物生生不息的总规律（大道）；而书画正是天人合一、物我感应的产物。“我与天地共生，而万物与我为一。”（《庄子•齐物论》）纵观古今中外历代群贤之图画，无不是遵循大道才得以流传。平衡中静韵流淌，动态下气势昂扬，让人过目不忘。宋代苏东坡云：“观摩诘之画，画中有诗；味摩诘之诗，诗中有画。” 古代文人高士大多诗文之极而成图画，并且视画为言志的最高形式，不屑于或耻于贩卖作品，因而其作品流传甚少。
所谓画论，就是关于绘画艺术总的观点与学问。其包含画道与画技两部分；画道是总论（则），是有关绘画的一般规律与原则，画技是分论（则），是各种各类画的具体的绘制方法。画道千秋，就是无论古今画者如何表述，画道永远为一。画技，则因人、因时、因物之不同，异象纷呈。中华文化源远流长，博大精深，底蕴深厚，古往今来，为画立论者甚多。书画者发表观点，力求揭示绘画的认知规律、总结各自的绘画技法。史上烟海繁星般的画论，概括起来一句话就是：画道简约如一、画技灿若星河。这是因为国画是作者本人所思所悟的自然流露，绘画者各有灵犀、自立风格，如果绘画技法统一如制，势必扼杀艺术的丰富性与创造性。古人画论影响至今的很多，如谢赫的六法论，归纳为：气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写。延续几千年的画论，言辞迥异，文心精义却大体相同，拥有异曲同工之妙。这源于诗心相通、文脉相承，薪火相传。正所谓妙悟者无须多言，只有多多加以鉴学践悟，才能不断提高艺术境界。
结合创作实践，中国画创作的基本步骤可概括为：确立主题、选择素材、构图布局、渐次生发、韵色收拾。主题往往就是主客观交集碰撞出的灵感火花、感慨意念；尔后，围绕主题选择最能突出、彰显主题的创作素材；然后按照虚实浓淡远近疏密等美学原理将创作素材予以布局安排，注意留白，不要太满，大体确定这幅画的构图；再后，一景一物的生发创作，从何处开笔无关紧要，可根据主题需求或者自身把握与熟悉程度而灵活决定，创作中注意笔墨关系，笔法、墨法、染法要丰富、灵活，点线面（块）要通灵出韵，气息通畅，富有节奏感、韵律美；最后，晕染收拾，注意染法与细节，中国画是世界上唯一集诗书画印于一体的艺术形式，题字、落款与钤印要符合中国画的章法。以上五个环节紧密衔接、一气呵成，共同决定着作品的优劣、能否出彩、有没有品位，以及欣赏性、可读性、感染力等艺术能量与活力。
书画创作有其总的一般性规律，即：大胆落笔、合理构图、细巧生发、精微收拾。其一，大胆落笔。包括大胆用墨、大胆用色。其二，合理构图。布局符合画道的要求。按照画的中心思想、创作主题，取舍素材，经营位置；把重心、重点，也就是画眼，布局在最抢眼、最突出、最合乎审美的位置，一般是三七线或者四六线交叉点。中国的道，有其特殊含义，其玄之又玄，是万物之母，是万物寻找阴阳平衡的循环往复，是宇宙的永恒的总法则，是理解宇宙生灭变幻、开合流转的总钥匙。符合画道的构图，就是造境寓道、起承转合的逻辑摆布，让人看上去顺畅、雅致、舒心，比如阴阳 S 形、“之”字形、三角形、对角线构图、三分法构图等；把握审美比例，巧置动静传情、虚实相间、开合取势，以及草蛇灰线、伏脉千里的呼应流转，处理好主与宾（主次）、远与近（宋郭熙“远观其势，近取其质”）、长与短、多与少、大与小、冷与暖、疏与密、明与暗、曲与直、奇与正、粗与细、厚与薄、轻与重等诸要素之间的关系。其三，细巧生发。就是一笔一画、一点一线一面创作的过程，创作就是不断生发的过程。细，就是考虑到细节，比如层次关系、动静关系、呼应关系、浓淡关系、虚实关系、开合关系、笔墨关系、疏密关系、冷暖关系、明暗关系、清浑关系等不一而足，这些关系均要为渲染、烘托主题而被灵活巧妙地运用、处理。最后，精微收拾。对作品做最后的点缀。要把对道的认识用尽、把绘画的技巧（多为自发首创）本事用尽。应该一遍一遍地思、一遍一遍地想、一遍一遍地收拾。因此，遵循画道与摆正关系，是书画创作的两条基本原则。遵循画道就要摆正关系，而摆正了绘画诸要素之间的关系，也就是遵循了画道。

二、书画创作需要摆正的五种辩证关系
（一）心画与画心
书画，是心灵的电闪烛照，是心声的回荡反响，是心力的澎湃激昂，是心神的温蕴藉养，是心路的丰碑典藏，是心性的率真洒脱，是心源的澄明反照。书画，既是用心而画的，又是用来画心的，更是化育人心的。基于我对书画本质的这种认知，所以我戏称我的画论为新心派画论；我自然也是新心派画论的首倡者。
从书画的本质而论，书画是一场人生修行，是怀仁体道、尊礼尚贤的逐步提升的过程；是用点、线、面、色以及各种技法，抒写人生对真善美正（后文有“正”之专论）的感悟；是书画者与社会、自然、人生的古往今来的对话。书画从情志诗文而来，从身心修行而来，从人文传承而来；这种定位，也就决定了书画是画理想、画志向、画修养的；人的理想、志向、修行属于人的心性；心性的东西，就必须用心来画。所以，心正则画正，人品即画品。从创作技法而言，唐代张璪的“外师造化，中得心源”，又东晋顾恺之的“迁想妙得”“以形写神”，几句话都是在讲主观与客观之间用心印证的构思活动。这是从学习客观到主观思考、捕捉灵感、酝酿意象，得其“心源”，完成由形到神、由物质到精神的第一次飞跃；尔后再经过心造，经过由“迁”到“妙”的华丽转身与蛹蜕蝶变，把所思所想定格为艺术形象，完成由神到形、以形写神、由精神到物质的第二次飞跃。这是一个完整的辩证唯物主义的认识规律，也是一个完整的绘画创作规律。其间，心的认知境界起着不可或缺的关键作用。正所谓，世间无处不蕴藏着艺术之美，生活赋予创作者无尽的创作主题、创作灵感、创作激情与原动力，得由启智寓教之心，触景传情，妙笔生花，脱俗洗铅，变废为宝，化腐朽为神奇，点顽石以成金，起死寂为生发。正如程明道所云“万物静观皆自得，四时佳兴与人同”，真乃天下大同，万物同理是也！
综上所述，书画的创作必须：参造化，进而得造化；师古法，最终至无法；宣心源，幻天宝物华，“肇自然之性，成造化之功”（王维《山水诀》）。画是无言的诗文，是无声的音乐。“远看山有色，近听水无声。春去花还在，人来鸟不惊。”“初闻不知画中意，再见已是画中人。”“我从画里写诗意，想见先生觅句时。”正所谓诗心必画意、画意满诗情，每一幅画，都是创作者个人情感与思想的表达，都是创作者与天地万物、人类社会的对话。所谓心画，就是用心来画，用参天悟地之神悟来画；就是以道为术，“以神遇而不以目视”；不是用眼睛、用手、用死板教条以及用任何感官的东西来画。用眼画的是皮毛，是具象；用心画的是精神，是灵魂。所谓画心，就是画心源，画自己的感悟，画内心世界对外在世界的、社会的、历史的、古人的、未来的感悟；画内心与道的探寻、交流；画内心体悟而升华的造化。因此，心画与画心，就是用感悟来画，画内心之感悟；就是体道、寻道、悟道、得道、弘道的绘画规律。这就是画道。
（二）有法与无法
这里讲的法，特指书画创作技法。主要包括：构图、笔法、墨（彩）法等。技法是相对的，是相对于画道而言的。画道是绝对的，恒定且蕴意深奥，处于支配地位；而技法是从属于画道的。有法，是传统与传承；无法，是革故与鼎新。没有传统，不被接受与认可；没有创新，就没有个性与灵魂，就不能孤高与走远。
载入史册的艺术家都是“立法者”，都有自己的独有技法；也正因为如此，其作品才得以永世流传，占据某一历史时期的制高点。笔墨随时代，无论哪个方面，艺术都在向前发展。这也让历史上的艺术家灿若星河，其技法与流派也浩如烟海。所以，万法归于无法。
艺术是心灵的反映，是劳动者的璀璨灵光；艺术本身是灵光一现的产物，其本质属性是无法的。但，万事万物都有其循环往复的过程，某一最初的开始，如何表现灵感、捕捉灵感、幻化成艺术，是需要借以某种形式或技法的。因此，师传统、师造化就比自我摸索更为直接、快捷、便利、得体，因为造化是永恒的老师，传统里有无穷无尽的表现符号与技能。于是乎，写生、读画（帖）与临摹，便应运而生。学院派都是走这一路，学习书画史，临摹名品名帖，走进大自然写生。创作者每每拜师学艺，师自然、师古人，逐渐掌握一定的创作技能，并日臻娴熟，达到炉火纯青、出神入化、随心所欲，加之个人丰厚的素养、学养、涵养与修养（合称“四养”）的积淀，最终实现艺术的推陈出新、脱胎换骨，“会当凌绝顶”，与时代同频共振，或者高瞻远瞩、超越时代，为历史注入个人的标记。这是一个从无法、借法、逐渐有法，最终达到万法归于无法的至高境界且不断循环的辩证过程。总之，万法无法，就是艺术技法的制高点。包括从无法到有法，再从有法到无法，这样两个循环。但是，现实中许多书画人终其一生也没有达到无法的境界。
学习书画，今人有着古人不可企及的便利条件。卷帙浩繁的书籍、打开就有的音像资料、各种培训交流展览拍卖活动，纷至沓来、充人耳目、应接不暇，需要慧眼选择，悠着点、拣好的、守朴拙、师高人。下面，点其要领，概念性地谈谈学习书画的基本途径与方法。
读画、临摹与写生。①读画：要用心去读，全面、深刻、细致地读；既包括鉴赏、甄别，也包括评判。所以，现实中又有了艺术鉴赏家与评论家。读画，要用尽功夫，反复品味，用心走进去，既读出画中的诗情画意以及作者的哲思，又要况味作品的风格、品位、气韵、优异之处及其原因。不仅知其然，还要知其所以然，从而做到自知与知人。只有这样，才能准确把握与深度汲取作品的艺术之美、趣、韵、养。会读画、赏画、鉴画，是一个人的艺术修为和境界。人的综合素质不同，从画中读出的滋味、境界高低、层次深浅、内容多少也就不同。平淡出静真，陋劣存至好。中国画是哲理性很强的艺术，幽默风趣、高山流水、雪泥鸿爪、雅俗共赏，既启迪人生、增强修养，又陶冶心性，加深对自然、社会与人生的认知与热爱。②临摹：包括描临、对临、背临、意临。多个相似的临摹对象，经过潜移默化、拆解组合，也可另有建树。③写生：包括写实与写意，对写与默写；注意去粗取精、去伪存真；懂取舍，会构图，重留白，通虚实。
关于墨法、笔法、染法、笔墨关系。真正理解把握这些东西，必须从大量实际操作中总结体会，反复推敲、比较、提炼。水与墨的结合，幻化出无穷的韵味，远非墨分五彩所能概括；创作中，笔尖、笔肚、笔根，尽量都用上，每一部位的水墨成分，心中要有数；中锋取质，偏锋取势，曲直奇正、轻重缓急、连断光毛、方圆粗细、浓淡疏密要按照创作主题需求来把握；点、顿、戳、挑、挫、转、折、扫、拉、剜等皴擦点染，勾勒成势，厘清层次，拓开空间，丰富画面，使之阔朗泽韵；把握水墨比例，浓淡干湿焦枯，中锋、侧锋、逆锋、散锋、回锋、颤笔、顿笔、旋笔、复笔，一笔有浓淡，笔笔见精神，使之苍然古拙，润泽厚重、趣味盎然。积墨法，由淡到浓，与浓淡干湿焦枯结合起来，可有无穷变化；破墨法，包括浓破淡、淡破浓，恰当运用能增添画面气韵。还有一种泼墨、泼彩的画法，笔墨淋漓，恣肆纵横，大快心志；尔后用常法收拾，自然天成。笔法中第一要诀，就是提得起、留得住、三过笔。即用笔要运转自如，提按流收，疾徐顿回，合理合势，富于变化。前人曾将笔线总结为“十八描”，且常用锥画沙、折钗股、屋漏痕以及力透纸背、入木三分等形容线条之美、力、韵；以上虽有冗赘啰唆、故弄玄虚的成分，但也不无道理，实践中渐次体会。至于染法，更不用拘泥古法，烘染、渲染、分染、层染（打底色）、背染、罩染、接染、混染、灌染、复染、积染等，信手拈来、遍遍润接、不厌其烦，直到自己满意为止，让画面活色生香、无比精彩。我在创作中，从不浪费颜料、墨汁与纸张。一幅画画好，正好水墨、调彩差不多用完；而且总能修改出彩，找到随心顺意的感觉。
（三）写意与传形
中国画画的是心源、意象。其意象性特征，经过千百年来的赓续传承、演绎，使得“写意”成为国画审美意识中物化形态的独家专利，成为释道蕴道的文化载体，成为衡量作品得失成败的重要依据之一。东方神韵在于含蓄，通过对生活中实体形象的抽象概括、归类提炼、升华特征，达到意似、神似、韵似，从而揭示物体的本质特征，进而寻幽探微，寄寓意趣、抒发情志。而意趣、神韵，是存在于一定形体之上的，所谓“形无神不活，神无形不存”，这就是写意与传形的辩证关系问题。写而必有形，形而必传意。“意在笔先，趣在法外”，心中、眼中、手中之物都是不同的，“师其意不在迹象间也”。即使再抽象的大写意，也要把画者之意蕴寓在一定的形状之中，而一定的形状也必然传递一定的胸臆。清人范玑说“故凡论画，以法为津筏，犹非究竟之见；超乎象外，得其环中，始究竟矣”。可见写意是国画的艺术准绳与核心，是中国画独有的审美体系。
如何界定国画的意，可谓见仁见智，以作者文蕴而异同。意是国画主旨、绘画理念，又是创作方法。意的内涵宽泛而多义，意志、情意、意旨、意蕴，理所当然包括神似、神韵、意趣、意境，含蓄与概括也是会意的形式与方法。张彦远说“以气韵求其画，则形似在其间矣”，其“形似”即为写意。国画以追求气韵、神韵、意趣为高，则必然重在意的表现。屠隆说“意趣具于笔前，故画成神足”。所以，若画而无趣无神则必无意无韵。袁宏道说“趣”： “唯会心者知之。……夫趣得之自然者深，得之学问者浅。当其为童子也，不知有趣，然无往而非趣也。”此乃天然浑成，不加斧琢雕饰的朴拙之美。国画讲究不似而似、不到而到，贵在似与不似之间。清人查礼在他的《画梅题跋》论画梅：“画梅不要像，像则失之刻。要不到，到则失之描。不像之像有神，不到之到有意。”国画的密不透风与疏可跑马，都是要服从、服务于似与不似、到与不到。线条的规律性表现程式与夸张性概括手法，适用了大道至简的物象简化，既舍弃了不适合线条表达与难以表达的部分物象，也起到画龙点睛、意似存质的写意效果。真真“不离乎形，亦存乎质”。
作者的情意，以笔线表达为基础。笔有刚柔动静，更有笔意韵致趣味。作者情感往往藉于各种笔意宣泄。“意欲苍老，笔重而劲，笔笔从腕力中折出”“意欲淋漓，笔需爽朗流动”“意欲简古，笔需少而秃拙”。
国画之形，仅在乎“得其意思所在”“画见其大意而不为刻画之迹”。山水画可以“重重悉见”，人物画可以“见前庭后巷中事”，所有画的背景也均可以是空白，一切在于达心适意。“以意写之，不在迹象”，既可运实入虚以求画内直观之意，也可运虚入实以求画外联想之意。
国画重写意，是中国文化传统的产物。中国文人崇尚达则兼济天下，穷则独善其身的文化理念，将悲天悯人、望月怀远、进退两忧的家国情怀，寄予绘画，直抒胸臆，造就了中国画独特的写意秉性。
（四）传统与创新
传统与创新，也可以说是师古与突破的关系。泱泱华夏五千载，人文同祖共根、同源共流，历史不能也不会割裂。书画从何而来、到何方去的关系，个中人必须明白。
师古，就是为了创新；借古，就是为了开今。借前人的艺养丰富武装自己。前人，包括古今中外；只要是优秀的，适合自身特点的，都可拿来我用。
一切的学习与继承，都是为了创新。国画，既是思想载体与精神寄托，又是价值坐标与灵魂皈依；其所承载的文化理念和社会功能，远远超越画面本身。因此，绘画者绝非为绘画而绘画这么简单，而是为了托付内心的某种念想或范畴，且这种认知或意识必须是有价值的、不吐不快的，还必须是超越古人、前人、外人，引领时代潮流的，有自己艺术个性、风格与特点的；只有这样，绘画者才能立稳脚跟，才是真正的不负时代的艺术家，才能在美术史上留下脚印。这就是创新，这就是破与立的关系，这就是所谓不破不立。因此，创新是一切艺术的归宿与灵魂；只有创新，才是鲜亮、活泼有力量的，才是个性飞扬的，没有创新就没有艺术的生命力。创新是值得鼓励的艺术正能量。艺术创作不能活在古人、别人的阴影下！“十分学七要抛三，各有灵苗各自探”，每位艺术家活出来、留下来的，都是自己！这是艺术生涯的出发点与归宿点，也是鉴别真正艺术家与庸俗名利之徒的分界线。以走市场为主的行画，泯灭、弱化、淡化了艺术的思想性，其作品以装饰为主，往往是托古而来，描摹嫁接、迎合媚俗的线条与色彩。行画在技法上千篇一律、雷同重复，没有灵魂与创新。创新是需要点野性、叛逆、斗争精神的，是需要点张力、对抗、碰撞胆识的；这种精神与胆识，来源于书画者对自然、人文理性的判断与认知，来源于孜孜不倦的大胆尝试与探索；是遵循了人文观念、审美规律的艺术创新。正所谓“学古不泥古，破法不悖法”，推陈更是为了出新。中国书画是民族独有的文化符号与精神标识；传承不是故步自封，因循守旧，更不能照搬硬套，跟风克隆；创新不是割断血脉，凭空虚造，甚至荒诞滑稽、哗众取宠。我的画论、画理一般直接题在我的画中，前两天刚好有：“率真得天趣，透脱自孤高。气象万千处，方谓得正道。” （后略）

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